Il Pulpito nella Chiesa di San Francesco di Paola - M.lo PARLATO

 I tesori nascosti della Calabria: il pulpito di Michelangelo Parlato a Polistena

Se pensiamo alla grande scultura in marmo del Novecento italiano, la mente vola subito ai grandi centri artistici come Roma, Firenze o Milano. Eppure, a volte basta entrare in una chiesa di provincia per imbattersi in capolavori di una bellezza e di una delicatezza d’altri tempi.
​Oggi, vogliamo portarvi a Polistena, in provincia di Reggio Calabria, per scoprire da vicino un dettaglio straordinario che toglie il fiato: il pulpito marmoreo realizzato dallo scultore Michelangelo Parlato nel 1957.

​Un angelo scolpito nella luce
​Guardando il dettaglio del rilievo (firmato e datato con orgoglio dall'artista direttamente sul marmo), si rimane immediatamente colpiti dalla maestria tecnica. Parlato non si limita a lavorare la pietra: la rende morbida, quasi viva.
​L'estasi e il movimento: L’angelo è raffigurato in un momento di profonda estasi mistica. Il volto è proteso verso l'alto, i capelli sembrano mossi da un vento divino e le ali piumate incorniciano la figura infondendo un senso di leggerezza.
​La simbologia: La mano destra è delicatamente appoggiata sul petto, mentre stringe un mazzo di fiori (simbolo di purezza e devozione), mentre le grandi lettere marmoree traforate sullo sfondo compongono l'elegante architettura del parapetto.
​"Michelangelo Parlato (1894–1960), illustre cittadino e professore di Polistena, ha saputo fondere in quest'opera la solennità della tradizione classica con la sensibilità intima e vibrante del secondo Novecento."

​Perché riscoprire queste opere?
​Spesso l'arte sacra del secolo scorso viene ingiustamente considerata "minore" rispetto ai capolavori rinascimentali o barocchi. Opere come questo pulpito dimostrano l'esatto contrario: la fede e la bellezza sanno trovare strade nuove, e la Calabria custodisce un patrimonio artistico diffuso che merita di essere raccontato, fotografato e protetto.
​Se passate da Polistena, non limitatevi a una visita frettolosa. Entrate, alzate lo sguardo e lasciatevi catturare dalla grazia di questo angelo di marmo.
​E voi conoscevate la storia di Michelangelo Parlato? Lasciate un commento qui sotto e raccontateci qual è il "capolavoro nascosto" del vostro paese o della vostra città che tutti dovrebbero assolutamente vedere!

@ Carmelo PULEIO

Quando l’arte incontra la memoria: il nuovo Cristo Risorto alla Chiesa del Rosario - Opera di Gabriele SPANO'

 Quando l’arte incontra la memoria: il nuovo Cristo Risorto alla Chiesa del Rosario

A Polistena la fede e la memoria della comunità si intrecciano spesso con l’arte. È accaduto ancora una volta nei giorni scorsi, quando la Parrocchia del Rosario ha accolto una nuova opera destinata a entrare nella vita spirituale della città: la statua del Cristo Risorto realizzata dall’artista polistenese Gabriele Spanò.

L’opera è stata presentata e consegnata ufficialmente alla comunità durante una celebrazione dal titolo suggestivo “Lumen ex morte – La luce della Pasqua nella nuova statua del Risorto”, che ha riunito numerosi fedeli e cittadini nella Chiesa Maria SS. del Rosario di Polistena, uno dei luoghi più cari alla devozione popolare della città.

Alla celebrazione hanno preso parte il vescovo della Diocesi di Oppido Mamertina-Palmi, mons. Giuseppe Alberti, il parroco sac. Fortunato Sciglitano e tanti fedeli che hanno voluto essere presenti a questo momento che unisce fede, arte e identità locale.

Un dono che nasce dalla memoria familiare

Nel solco della tradizione polistenese, dove spesso la devozione personale diventa patrimonio collettivo, la statua del Cristo Risorto nasce anche da una storia familiare.

L’artista ha infatti voluto dedicare l’opera alla memoria della propria nonna materna, Rosa Nasso, figura molto amata nella sua famiglia. Un gesto intimo e profondo che si trasforma così in un dono alla comunità, perché la statua è stata donata alla parrocchia per volontà dello stesso autore.

Non è raro, nella storia di Polistena, che opere sacre nascano proprio da questo intreccio tra fede personale e amore per la propria chiesa. Ed è proprio questa dimensione che rende l’arte sacra parte viva della memoria cittadina.

Una statua tra tradizione e tecnica artistica

La nuova statua del Cristo Risorto colpisce per la sua presenza scenica. Alta circa due metri, si inserisce armoniosamente nello spazio liturgico della chiesa.

L’opera è stata realizzata con una tecnica mista, che richiama antiche tradizioni artigianali del Sud Italia:

• volto, mani e piedi sono modellati in terracotta,

• mentre il resto del corpo è realizzato in cartapesta leccese, materiale da sempre utilizzato nell’arte sacra meridionale per la sua leggerezza e duttilità.

Il Cristo è rappresentato in posizione eretta, con una postura solenne e dinamica, segno della vittoria sulla morte e della resurrezione.

Nella mano sinistra regge una croce, simbolo universale della redenzione. Il colore nero della croce richiama simbolicamente l’abito dei frati dell’Ordine dei Predicatori, i Domenicani, la cui spiritualità è storicamente legata alla devozione del Rosario.

I segni simbolici della fede

L’opera di Spanò è ricca di dettagli simbolici che raccontano la tradizione cristiana.

Sul lato superiore sinistro del corpo è visibile una piaga a forma di pesce, antico simbolo dei primi cristiani. Il pesce richiama infatti la parola greca Ichthys, acronimo di Gesù Cristo Figlio di Dio Salvatore, utilizzato dai cristiani nei primi secoli come segno di riconoscimento durante le persecuzioni romane.

Il braccio destro del Cristo è invece proteso verso l’esterno nel gesto della benedizione, come a voler abbracciare simbolicamente l’intera comunità.

Particolare attenzione è stata dedicata anche allo sguardo della statua: gli occhi, realizzati in vetro e di colore verde, si ispirano allo sguardo di Cristo così come descritto nelle esperienze spirituali della mistica calabrese Natuzza Evolo, figura molto venerata nella spiritualità della regione.

Un’opera che entra nella storia della parrocchia

La statua sarà custodita e conservata nei locali della parrocchia e entrerà a far parte delle iniziative artistiche e culturali promosse dalla comunità della Chiesa del Rosario.

Per chi segue la storia e la memoria di Polistena, questi momenti rappresentano piccoli tasselli della vita cittadina: opere, gesti di devozione, celebrazioni che con il tempo diventano parte del racconto collettivo della città.

Così, accanto alle tradizioni religiose che da secoli scandiscono il calendario della comunità, anche questa nuova statua del Cristo Risorto si prepara a diventare un segno della fede e dell’identità polistenese, destinato a essere ricordato negli anni a venire.

Un’opera che nasce da un legame familiare, cresce nella devozione e trova casa nella chiesa del Rosario: un altro frammento di storia che si aggiunge alla memoria viva di Polistena. ✨

@ Carmelo PULEIO 

Francesco Jerace e le ombre dell’Ex Cimitero degli Inglesi di Napoli

 Francesco Jerace e le ombre dell’Ex Cimitero degli Inglesi di Napoli

«Credete di conoscere la vita.

Forse, in realtà, state solo guardando le pareti della tinozza».

I versi di Spoon River sembrano risuonare con forza tra i viali dell’ex Cimitero degli Inglesi di Napoli, oggi giardino pubblico incastonato tra i palazzi del Borgo Sant’Antonio Abate. Un luogo che non è soltanto spazio urbano recuperato, ma strato profondo di memoria, dove arte, morte e storia continuano a dialogare sottovoce.

Nato nel 1826 come cimitero acattolico per la numerosa comunità britannica residente in città, il sepolcreto di Santa Maria della Fede fu pensato come un hortus conclusus: uno spazio chiuso, ordinato, quasi sospeso, lontano dal caos della Napoli ottocentesca. Qui trovarono sepoltura nobili, scienziati, artisti e viaggiatori stranieri che avevano scelto il capoluogo partenopeo come ultima dimora.
Tra le lapidi e i monumenti funerari — molti dei quali oggi perduti — emerge una presenza fondamentale: Francesco Jerace.

Jerace: la scultura come memoria civile

Scultore calabrese, della sua amatissima POLISTENA (RC) di fama internazionale, Jerace fu uno dei protagonisti della scultura tra Otto e Novecento. Nel Cimitero degli Inglesi la sua mano lascia una traccia decisiva, soprattutto nel monumento funerario dedicato a Mary Somerville, matematica e astronoma scozzese, figura chiave della scienza moderna.

La statua, realizzata nel 1876, colpisce per la sua sobria monumentalità: Somerville è raffigurata a grandezza naturale, composta, pensosa, lontana da ogni retorica celebrativa. Jerace rinuncia all’enfasi per restituire dignità intellettuale, silenziosa grandezza. Non è un caso che proprio questa scultura sia una delle poche sopravvissute alle devastazioni successive: collocata in posizione sopraelevata, è sfuggita ai saccheggi e all’abbandono che hanno cancellato gran parte del sepolcreto.

In quel marmo, Jerace non celebra solo una scienziata, ma l’idea stessa di conoscenza, rendendo la tomba un monumento alla ragione, alla ricerca, alla libertà di pensiero — valori profondamente legati alla comunità protestante e straniera di Napoli.

Un cimitero divorato dalla città

Chiuso definitivamente nel 1893, con l’apertura del nuovo Cimitero degli Inglesi alla Doganella, quello di Santa Maria della Fede venne progressivamente inghiottito dallo sviluppo urbano. Il Risanamento, le ruspe, i palazzi popolari: delle oltre 250 tombe originarie ne rimasero appena nove. Il resto fu distrutto, rubato, smembrato.

Il destino del luogo ha assunto i contorni di una vera e propria maledizione urbana: monumenti vandalizzati, statue mutilate, sepolcri trasformati in depositi di attrezzi. Un’agonia lunga decenni, fino alla recente riapertura dell’area come giardino pubblico.

Eppure, tra il verde ordinato e i giochi per bambini, le ombre restano.

Jerace come ultimo testimone

Oggi, passeggiando nel parco, il monumento di Mary Somerville appare come una sentinella del tempo. È una delle poche voci rimaste a raccontare cosa fosse davvero questo luogo: non un semplice cimitero, ma un crocevia internazionale di storie, saperi, esistenze fuori norma.

In questo senso, Francesco Jerace diventa qualcosa di più di uno scultore: è un custode involontario della memoria, l’artista che — forse senza saperlo — ha consegnato al futuro una traccia resistente, capace di sopravvivere all’incuria e alla violenza della città moderna.

A Napoli, il passato non smette mai di parlare. Basta fermarsi, guardare meglio, e ascoltare.

@ Carmelo PULEIO

Volto di donna - formella in bronzo - Giuseppe RENDA

 Il fascino senza tempo del “Volto di donna” di Giuseppe Renda

Una formella in bronzo che racconta la grazia femminile tra Ottocento e Novecento

Nel panorama della scultura italiana tra fine Ottocento e inizi Novecento, la figura di Giuseppe Renda rappresenta una voce raffinata, capace di unire sensibilità naturalistica e gusto decorativo. Una testimonianza significativa di questa poetica è la formella in bronzo a patina scura intitolata “Volto di donna”, un’opera che si distingue per eleganza e qualità esecutiva.

Una tecnica antica per una bellezza moderna

La formella, dalle dimensioni di 35 × 32 cm, è realizzata con la tecnica della fusione a cera persa, uno dei metodi più antichi e pregiati nella lavorazione del bronzo. Questa tecnica permette una definizione estremamente fine dei dettagli, dando vita a superfici morbide e passaggi tonali profondi, enfatizzati dalla patina scura scelta dall’artista.

Il rilievo raffigura una figura muliebre, un volto di donna che emerge con delicatezza dalla lastra metallica. Il modellato è morbido, quasi tattile: le linee del profilo, la curva del collo, l’espressione assorta, compongono un ritratto idealizzato ma al tempo stesso intensamente umano.

Tra Ottocento e Novecento: un gusto in trasformazione

L’opera si colloca in un periodo storico caratterizzato da un interessante dialogo tra classicismo e modernità. La scultura decorativa viveva una nuova fortuna, trovando spazio nelle case borghesi, nei salotti e negli studi. In questo contesto, opere come il Volto di donna di Renda erano apprezzate sia come oggetti d’arte sia come elementi d’arredo raffinati.

Il linguaggio dell’artista rispecchia proprio questo clima culturale: da un lato richiama la tradizione del ritratto idealizzato, dall’altro si percepisce una ricerca più moderna, che punta alla resa psicologica e all’armonia delle forme.

La firma dell’artista come garanzia di autenticità

La formella è firmata, un dettaglio importante che ne sottolinea la paternità certa e ne accresce il valore collezionistico. Renda dimostra qui la sua abilità non solo tecnica, ma anche stilistica: ogni elemento è calibrato, dalla profondità del rilievo alla scelta della patina, creando un insieme equilibrato e armonioso.

Perché quest’opera affascina ancora oggi

Il Volto di donna è un’opera che parla un linguaggio universale: la bellezza. Non una bellezza stereotipata, ma una bellezza silenziosa, dignitosa, scolpita nel bronzo con una sensibilità quasi pittorica.

La sua forza sta proprio nella capacità di unire:

• tradizione artigianale e sensibilità moderna;

• matericità del bronzo e delicatezza del soggetto;

• valore storico e immediata piacevolezza estetica.

Oggetti come questo non sono solo reperti d’epoca, ma frammenti di un gusto e di un modo di guardare il mondo: testimonianze preziose di un’arte che non teme il trascorrere del tempo.

@ Carmelo PULEIO

Il “Ritratto di Emilia Titoni” (1869) di Vincenzo Morani

Il “Ritratto di Emilia Titoni” (1869) di Vincenzo Morani: eleganza borghese e introspezione psicologica nella pittura postunitaria

Il Ritratto di Emilia Titoni (1869) costituisce una delle prove più raffinate del pittore Vincenzo Morani (Polistena, 1809 – Roma, 1870), artista calabrese formatosi nell’ambiente accademico napoletano e successivamente attivo nella capitale pontificia. Figura ancora oggi poco studiata, Morani seppe distinguersi nel panorama ottocentesco per la sua aderenza al realismo accademico mitigato da una sensibilità intimista, particolarmente evidente nella sua produzione ritrattistica.

L’opera raffigura una giovane donna, Emilia Titoni, ritratta con compostezza e grazia, mentre regge un mazzo di fiori — elemento iconografico che, nel linguaggio simbolico del tempo, allude alla purezza, alla delicatezza e alla transitorietà della giovinezza. La resa luminosa e l’attenzione minuziosa ai dettagli dell’abito e dell’incarnato rivelano la volontà dell’artista di coniugare fedeltà fisionomica e ideale di decoro borghese.

Su Emilia Titoni non esistono dati biografici certi: è verosimile che appartenesse a un ambiente borghese o aristocratico romano o napoletano, e che il ritratto fosse una commissione privata destinata alla memoria familiare. Tale pratica era consueta nella seconda metà dell’Ottocento, quando il ritratto pittorico, pur insidiato dalla nascente fotografia, manteneva un ruolo di rappresentanza e di distinzione sociale.

In un’Italia da poco unificata, segnata da mutamenti politici e da un rinnovato interesse per la costruzione di identità nazionali e familiari, il ritratto femminile assumeva anche un valore ideologico e morale: incarnava l’ideale domestico della donna virtuosa, educata e devota, pilastro dell’ordine sociale. Morani interpreta questi modelli con una sensibilità pittorica discreta ma penetrante, restituendo una figura che, pur radicata nella convenzione, lascia emergere un’intima dimensione psicologica.

Il Ritratto di Emilia Titoni si configura dunque come un documento estetico e sociale di grande interesse, nel quale si riflettono non solo le doti tecniche del pittore, ma anche le tensioni culturali dell’Italia postunitaria, sospesa tra modernità e tradizione.

@ Carmelo PULEIO